¿Agregar partes de cuerdas a una pista de rock o pop? Consejos para componer o arreglar una sección de cuerdas

Durante décadas, desde Motown hasta Funk, pasando por Disco, Indie Rock o música de cantautores, uno de los elementos que ha hecho que algunas pistas sean exitosas es la adición de instrumentos de cuerda a la mezcla. Cuando se usa hábilmente, este medio puede realzar una pieza musical, dándole un carácter y un sonido únicos, otorgando poder y emoción a una canción. Las cuerdas también se utilizan para proporcionar el ‘gancho’ o contramelodía que añade una nueva dimensión y variedad a la música.

Muchos éxitos de las listas de éxitos tienen un «lavado» de cuerdas de fondo, usado sutilmente sin ser particularmente prominente, y basado en acordes simples. También hay innumerables ejemplos en los que se han utilizado sonidos de cuerdas muestreados con gran efecto, desde el Mellotrone atmosférico de la década de 1960 hasta soluciones de alta tecnología utilizadas en la música moderna. Incluso las cuerdas sintetizadas, sin pretender ser reales, también han distinguido a muchos clásicos del pop y el rock.

A pesar de los grandes avances en la tecnología de las cuerdas muestreadas, muchos productores y artistas aún prefieren usar lo «real»: músicos de estudio profesionales que aprovechan su experiencia para crear una adición rica y auténtica a una pista. Al usar músicos en vivo, es posible ser mucho más versátil e incluir articulaciones o ‘inclinación hacia arriba y hacia abajo’ que solo suenan auténticos en un instrumento real.

Lo primero que hay que tener en cuenta es que la familia de instrumentos de cuerda que forman un conjunto de cuerdas estándar (violines, violas, violonchelos y contrabajos) tienen mucho en común pero funcionan de forma diferente a la guitarra o al teclado. Están afinados en quintas, lo que significa que cuentas 5 notas, incluida la nota en sí, para llegar a la siguiente cuerda. El violín comparte sus tres cuerdas inferiores con la viola, mientras que el violonchelo está exactamente una octava por debajo de la viola. También es importante conocer el rango de cada instrumento. Aproximadamente tres octavas y media sonarán cómodas como una sección, y es importante entender cómo la calidad del sonido se ve afectada por el tono de las notas. Las notas altas sonarán más finas y penetrantes, mientras que el registro inferior puede sonar más grueso o rico. Como ejemplo, gran parte de la música disco de la década de 1970 hace uso del registro más alto de los violines en particular.

La siguiente consideración es el hábil ya veces engañoso asunto de espaciar los acordes para una sección de cuerdas. Aquí es donde muchos arreglos de cuerdas pueden fallar: si se hace mal, el efecto puede sonar vacío o débil. Los violines se dividen en dos secciones, el ‘primer y segundo violín’, como se encuentran en una orquesta sinfónica. Los primeros violines a menudo pueden estar al unísono o una octava más alta que la melodía, y los segundos violines tocan una contramelodía de apoyo. Por el contrario, los primeros violines podrían estar tocando la contramelodía con las otras tres partes completando los acordes. Nota: en un acorde, cada instrumento puede tomar una o dos notas dependiendo de la plenitud o efecto requerido. Incluso en estos acordes, el arreglista de cuerdas debe asegurarse de que la parte del violonchelo no salte demasiado; aunque el bajo aún puede proporcionar la línea de bajo, la parte del violonchelo seguirá siendo muy efectiva para moverse al paso o como melodía. línea.

Otro aspecto importante es comprender las articulaciones necesarias para sacar lo mejor de los instrumentos de cuerda. Piense en ello como monocromático versus color. Sin ligaduras de expresión, staccato, spiccato y pizzicato (todos los efectos estándar que los instrumentos de cuerda tocan habitualmente), el sonido puede volverse aburrido y poco característico. El mejor arreglo de cuerdas utiliza un conocimiento íntimo de los instrumentos y puede sonar vívido, emocionante y detallado. A menudo, cuando una sección de cuerdas se ha compuesto en un instrumento de teclado, puede sonar de alguna manera fija y principalmente de naturaleza cordal, sin las partes móviles que las cuerdas tienen de forma natural.

Las cuerdas se han utilizado en casi todos los géneros musicales, desde el jazz hasta el heavy metal, el rap y, por supuesto, la música clásica. Géneros como bluegrass, cajún y folk a menudo destacan un solo de violín (el nombre ‘fiddle’ es intercambiable con violín), con un estilo idiomático basado en deslizarse hacia las notas, el uso de paradas dobles rápidas (donde más de una nota se toca simultáneamente tocado) y trinos sutiles con notas rápidas arrebatadas. A veces, las cuerdas individuales, una de cada instrumento como en un cuarteto de cuerdas estándar, pueden ser una opción para resaltar el hermoso sonido solista de cada jugador. Esto se puede utilizar para estilos de canción más íntimos, como uno con guitarra acústica y voz.

Aquí, el uso de instrumentos solistas suele ser más apropiado que el de una gran orquesta de cuerdas, ya que aporta un sentimiento de alma y añade un estado de ánimo más contemplativo. Para música de estilo más amplio, un arreglista de cuerdas puede escribir un gran sonido de tipo orquestal, como una balada de rock o una banda sonora de una película. Si el presupuesto no es una opción, bien se puede utilizar una sección de treinta a cuarenta músicos de sesión. En otros casos, a menudo una biblioteca de cuerdas muestreada de alta calidad puede brindar una excelente interpretación de las cuerdas, aunque carece del toque humano, y muchos productores contratan a un puñado de músicos profesionales para superponer algunas tomas reales para agregar las articulaciones y sentir que hacer que suene más convincente. Cuando las cuerdas son solo parte de una mezcla con otros instrumentos, esta puede ser una solución más económica que contratar una orquesta completa.

Con la tecnología de estudio moderna, un método cada vez más popular para aquellos que financian sus propios proyectos es utilizar unos pocos músicos que pueden realizar múltiples sobregrabaciones para crear un sonido más grande. Sin embargo, es muy recomendable que los músicos a los que se les pida que hagan esto sean profesionales extremadamente precisos, para garantizar que el resultado final no sea desordenado; también necesitarán variar la calidad del sonido y la reverencia para agregar carácter e imitar un variedad de jugadores diferentes dentro de la sección. Con este enfoque, los músicos deben tener una afinación perfecta y una excelente gama de sonido para crear un resultado final realista.

El arreglista de cuerdas profesional tendrá una idea de cuándo las cuerdas deberían ser dominantes en una pista y cuándo deberían retroceder a un sonido de fondo más solidario. El arreglista debe saber cuándo la textura debe ser escasa e identificar los momentos en los que las cuerdas pueden cobrar vida y ser densas o intrincadas. En lugar de agregar solo acordes básicos, las cuerdas se pueden usar para proporcionar el gancho o la contra melodía y, en algunos casos, esto puede transformar completamente una pieza musical, haciéndola memorable al instante.

Aunque muchas bandas y artistas conocen la teoría musical y la orquestación, por lo que realizan sus propios arreglos de cuerdas, es importante recordar que un arreglista de cuerdas especializado tendrá años de capacitación y puede obtener mejores resultados. Después de todo, si un grupo se hace cargo de la contratación en una sección de cuerdas real, querrá asegurarse de obtener todo el potencial de los jugadores. La música debe estar compuesta y orquestada correctamente para adaptarse a los instrumentos, de modo que cualquier músico de sesión pueda simplemente sentarse y tocarla correctamente la primera vez, ahorrando un valioso tiempo de estudio.